Ballet avec des drag queens : danse, humour et liberté scénique

Le ballet avec des drag queens associe la rigueur de la danse classique, l’expressivité du cabaret et l’humour de la performance drag. Le Ballet Trockadero en est l’un des exemples les plus connus : la troupe reprend les grands classiques du répertoire en drag, avec une expertise technique réelle et un sens assumé de la comédie.

Ce type de spectacle ne consiste pas simplement à parodier les ballerines. Il met en scène des danseurs capables d’exécuter des variations exigeantes, des pointes, des grands écarts et des figures acrobatiques, tout en jouant avec les codes de la féminité, du ballet et du théâtre. Le résultat s’adresse aussi bien aux passionnés de danse qu’aux spectateurs qui découvrent pour la première fois un ballet.

Le Ballet Trockadero, référence du ballet avec des drag queens

Fondé en 1967, le Trockadero n’a rien à envier aux grands spectacles « classiques ». Mêlant à la fois chorégraphie, technique et surtout humour, ce ballet est devenu un incontournable dans le monde de la danse.

« Le ballet Trockadero est un savoureux mélange entre danse classique, expertise et humour qui se produit dans le monde entier. Au-delà de la performance artistique durant laquelle la troupe reprend les classiques des plus grands ballets - Casse-noisette, Paquita, Le lac des cygnes - les Drag Queens sont de véritables comédiennes.»

Tory Dobrin, directeur du Trockadero et metteur en scène, résume l’identité de la troupe ainsi : «Je ne veux pas qu’on prétende être des femmes, puisqu’on ne l’est pas. Nous sommes des hommes qui dansons des classiques en Drag pour faire de la comédie.»

Une technique classique au service de la comédie

La particularité du Trockadero repose sur l’équilibre entre la précision chorégraphique et le jeu théâtral. Les danseurs ne renoncent pas aux exigences du ballet classique, mais les intègrent à une interprétation volontairement spectaculaire, décalée et comique.

À New York, Ugo Cirri, alias Minnie Van Driver, se retrouve en tutu à devoir exercer des « variations de filles », des pas inédits pour lui, que la vingtaine de danseur maîtrise désormais à la perfection.

« Quand la compagnie a commencé, c’était surtout la blague qui primait. Les garçons avaient des poils sous les bras, se maquillaient de manière grotesque… Mais aujourd’hui ça n’a rien à voir ! On se maquille pour apparaître comme de vraies femmes, avec de belles lignes. Notre but est de donner l’impression au spectateur de voir une vraie danseuse sur scène. »

Le maquillage, les perruques, les tutus et les silhouettes scéniques ne sont donc pas de simples accessoires comiques. Ils participent à la construction d’une illusion théâtrale, aussitôt renforcée puis détournée par l’humour, les attitudes, les chutes et les situations inattendues.

Pourquoi associer ballet et drag ?

Le ballet et le drag partagent une attention particulière portée au corps, à la posture, au costume et à la transformation. Dans les deux cas, l’artiste construit une présence scénique destinée à capter le regard et à produire une émotion.

Dans l’art transdisciplinaire du drag, qui mêle maquillage, coiffure, comédie, mode, création textile ou encore chant, la danse occupe une place d’honneur. À l’écran, un lipsync endiablé ponctué de figures acrobatiques ou une chorégraphie de postures parodiques suscitent toujours l’éblouissement.

Le concours télévisé Drag Race lancé en 2009 par l’influente drag queen américaine RuPaul Charles l’a prouvé au grand public : dans l’art du drag, la danse a toute sa place. Les fans de la franchise se souviennent notamment des grands écarts virtuoses de Laganja Estranja, des prouesses d’Alyssa Edwards, du déhanché voguing de Keiona ou des tours fouettés sur pointe de Misty Phoenix devant l’étoile Guillaume Diop en juré bienveillant.

La danse comme outil parmi d’autres

Matthieu Barbin, alias Sara Forever, explique : « Être danseur m’a beaucoup aidé car j’avais déjà l’habitude d’être sur scène ».

Pour l’artiste, la pratique fait fi du quatrième mur « qui n’existe tout simplement pas » et va jusqu’à affirmer que « le drag est l’art le plus égalitaire ».

Il ajoute : « Si la danse en est un ressort central, elle est mise à disposition comme plein d’autres outils sans hiérarchisation, c’est-à-dire que le mouvement s’utilise au même titre que le maquillage ou les compétences en couture. »

Soa de Muse, de son côté, ajoute : « Dans le cabaret comme le drag il n’y a pas de limites, on se donne même la possibilité d’explorer l’impossible. »

Des danseurs classiques aux artistes autodidactes

Les parcours des artistes drag sont très variés. Certaines queens et certains kings ont suivi une formation académique, tandis que d’autres développent leur gestuelle dans les cabarets, les soirées, les loges et les scènes alternatives.

Si certaines queens et certains kings ont suivi un cursus académique, comme L’Opéra de Paris pour Perseo et le conservatoire d’Avignon pour Misty Phoenix, la plupart ont une approche beaucoup plus DIY de la discipline.

« Il y a bizarrement peu de danseuses et danseurs de formation qui font du drag, observe Matthieu Barbin. Certaines personnes sont incapables d’exécuter une chorégraphie correctement mais ont une conscience de leur corps en mouvement assez bluffante. Ils s’emparent de la danse de manière instinctive. »

Soa de Muse, finaliste de Drag Race France saison 1 et co-fondatrice du cabaret La Bouche à Paris, abonde : « Le drag est forcément connecté à une corporalité, on a une démarche, une posture… Porter des talons pendant douze heures d’affilée, c’est déjà une forme de danse ! »

Apprendre à danser « sur le tas »

Beaucoup de drags apprennent donc à danser « sur le tas », à l’aide de quelques tutos YouTube, ou, comme Lee alias Levo Evolove, au contact de leurs pairs dans les loges.

Pour ce franco-vietnamien de 27 ans, tout a commencé à la Keeng Party, une soirée organisée régulièrement au Cabaret des Merveilles, lieu queer et féministe parisien.

La découverte de l’art drag king qui, à l’inverse des queens, consiste à incarner et détourner les codes de la masculinité, a été pour lui une libération : « J’ai été assigné femme à la naissance, mais ça a toujours été beaucoup plus facile d’incarner un genre masculin. Si monter sur scène me fait encore très peur, quand la musique est lancée je fais exploser tout ce que j’ai gardé en moi. Comme sous ma douche ! » rigole-t-il.

Malgré son apparente aisance, tant dans l’interprétation que les figures techniques, il déclare : « Je ne me considère pas comme danseur, je fais plutôt de l’expressionnisme. »

Ses numéros de lipsync inspirés des mimiques de son père et de Jim Carrey n’ont en effet rien à envier à la danse du visage de la cabarettiste allemande du XXe siècle Valeska Gert.

Le drag face aux exigences du ballet

Le ballet classique privilégie généralement la précision, la répétition, la continuité du mouvement et la maîtrise de la forme. Le drag peut reprendre ces éléments, mais il les combine avec l’improvisation, l’adresse directe au public, l’exagération et l’impact immédiat.

Malgré la finesse de son interprétation, les numéros de Levo Evolove flirtent toujours avec l’improvisation : « Je m’entraîne très rapidement, sans aller dans le détail. J’ai vraiment envie d’être dans le moment et de me laisser surprendre. D’ailleurs, il est rare que je fasse plusieurs fois le même show. »

C’est précisément cette spontanéité qui a séduit Matthieu Barbin à son arrivée sur la scène drag, peu après sa création scénique Les Cent Mille Derniers Quarts d’heure (2020) dans laquelle il apparaissait déjà avec une perruque et un maquillage extravagant.

« À mes débuts, j’avais tendance à faire des numéros très longs, comme en danse contemporaine, où on s’intéresse beaucoup au processus. Mais dans le drag, ça ne fonctionne pas : c’est la volonté d’impact qui prédomine sur tout le reste. On n’a pas d’autre choix que de se saisir du regard porté sur soi… »

La recherche de l’impact

Dans un ballet avec des drag queens, la virtuosité n’est pas séparée de la personnalité de l’interprète. Une variation peut être techniquement impressionnante, mais elle doit également raconter quelque chose, provoquer le rire ou créer une relation directe avec la salle.

Le drag s’appuie sur la transformation, l’exagération et la surprise. Le mouvement peut devenir une extension du maquillage, du costume ou de la démarche, tandis que la moindre posture peut être chargée d’une intention comique ou dramatique.

Cette logique explique la place importante du lipsync, des poses, des grands écarts, des chutes théâtrales et des mouvements volontairement démesurés. La danse ne disparaît pas derrière le personnage : elle contribue à le rendre immédiatement lisible.

À quel public s’adresse un ballet avec des drag queens ?

Le mélange entre danse et humour permet à notre public d’être hétérogène. Le spectacle peut être apprécié par les connaisseurs qui vont pouvoir juger et regarder de la qualité mais aussi par les amateurs qui voient un ballet pour la première fois et qui pourront s’amuser des blagues.

Tory Dobrin répond à la question en quelques mots : « N’importe qui ouvert d’esprit ! Nous avons parmi nos spectateurs autant de femmes que d’hommes, autant de jeunes que de personnes âgées. Il y a des passionnés de danse comme des personnes simplement curieuses. »

L’humour joue ainsi un rôle d’entrée dans le spectacle. Il rend accessibles les codes du ballet sans supprimer leur complexité, tandis que la qualité technique peut surprendre les spectateurs venus d’abord pour la dimension comique.

Du film suédois au spectacle de drag queens

Le film raconte l'histoire de Dylan Pettersson, une jeune femme de 23 ans venue d'une petite île de l'archipel du Bohuslän qui rêve de devenir danseuse.

Quand elle accepte à contrecœur un poste de femme de ménage au Queens, un club de drag queens sur le déclin, le danseur vedette et chorégraphe du club découvre par accident le talent de Dylan.

Si celle-ci meurt d'envie de se produire dans l'établissement, une femme n'a guère sa place dans un spectacle de drag queens. Mais ne dit-on pas que quand on veut, on peut ?

Ce film suédois de 2021 propose une immersion sensible dans le monde des drag queens et associe la danse, la comédie et le récit d’émancipation. Il présente un univers de spectacle où la scène devient un espace de découverte de soi et de remise en question des rôles habituellement attribués.

Les spectateurs soulignent notamment la légèreté du film, la qualité du casting et l’attachement porté aux personnages. Plusieurs critiques évoquent un film tendre et frais, bien joué, ainsi qu’une véritable immersion sensible dans le monde des drag queens.

Le drag, un art du spectacle multidisciplinaire

Les drag queens et les drag kings ne sont pas seulement des interprètes. En plus de se maquiller, confectionner leur tenue et perruque, ielles mettent au point de véritables spectacles, alliant différents arts de la scène.

Ainsi, ielles sont de véritables performeureuses multidisciplinaires. Leurs spectacles peuvent réunir danse, chant, comédie, lipsync, mode, coiffure, maquillage, création textile et performance corporelle.

La scène drag accorde également une grande importance à la relation avec le public. Le spectacle ne repose pas uniquement sur une chorégraphie observée à distance : il se construit dans l’échange, l’adresse, la réaction de la salle et la capacité de l’artiste à transformer instantanément son apparence et son attitude.

Le costume et la silhouette

Le costume modifie la manière de marcher, de tourner, de s’asseoir et de se tenir. Les talons, les perruques volumineuses, les corsets, les robes et les accessoires imposent des contraintes physiques qui deviennent elles-mêmes des ressources chorégraphiques.

Le drag repose sur une esthétique de la transformation. Les artistes créent un personnage, puis utilisent sa silhouette pour exagérer une démarche, amplifier une pose ou rendre visible une identité scénique.

Le maquillage et les vêtements ne sont donc pas séparés du mouvement. Ils prolongent le corps, modifient sa perception et participent à la dramaturgie du numéro.

Le voguing, un lien entre ballroom, mode et danse

Le voguing, une danse urbaine née dans les quartiers noirs de New-York, est invité pour la première fois à la MC2. Le voguing est un style de danse né à New York dans les années 1970.

Les communautés LGBT latino et afro-américaines se réunissent alors dans des compétitions appelées « ball » dans lesquelles les gestes et les vêtements sont inspirés par l’univers de la mode, le terme de voguing venant d’ailleurs du magazine Vogue.

Ces dernières années, le succès de cette danse est devenu planétaire. Les compétitions célèbrent la mode, l’esthétisme et la performance, tout en donnant une place à des corps et des identités longtemps marginalisés.

Les principaux éléments du voguing

Le voguing s’appuie notamment sur cinq éléments : hands, catwalk, duckwalk, floor et dip.

• Hands : les mouvements des mains et des bras structurent les poses et les transitions.
• Catwalk : la démarche s’inspire du défilé de mode et met en valeur l’attitude du danseur.
• Duckwalk : cette progression accroupie exige force, coordination et contrôle du rythme.
• Floor : le danseur utilise le sol pour développer des figures et des changements de niveau.
• Dip : cette chute spectaculaire constitue l’un des gestes les plus reconnaissables de la pratique.

Le voguing permet d’effectuer des mouvements influencés par le ballet, le jazz et la danse moderne afin d’exécuter des poses féminines très exagérées à l’aide de cinq éléments.

Les catégories d’un ball

Les compétitions peuvent être organisées en plusieurs catégories, chacune reposant sur des critères de performance et d’interprétation différents.

Une histoire liée aux communautés marginalisées

Le drag, tel que nous le connaissons aujourd’hui, s'épanouit dans les années 1960 aux États-Unis, en Angleterre, mais aussi en France, à Paris, en particulier dans le quartier de Pigalle.

Il se développe autour de la performance scénique dans les bars et cabarets, lors de compétitions pendant lesquelles plusieurs concurrentes s’affrontent dans des épreuves de roast and shade, de lip sync, de danse ou encore de catégories.

Ces compétitions prennent un nouveau tournant avec la création de la scène ballroom. À la fin des années 1960, les compétitions qui ont lieu principalement à Harlem à New York sont constamment gagnées par des drag queens blanches.

Les compétitrices noires et latinas décident alors de quitter cette scène et de créer la leur. En raison de leurs conditions de vie précaires, elles ne peuvent louer que des salles municipales de bal.

Par métonymie, ces nouveaux lieux de rencontre et de développement d’une culture propre prennent le nom de ballroom.

La ballroom comme espace de création

Initialement, la ballroom est composée principalement de femmes trans africaines-américaines ou latinas, mais s’élargit rapidement. Se développe également la communauté drag king.

De la même façon qu’une drag queen s’approche d’une esthétique dite « féminine » en performant les stéréotypes du genre féminin, un drag king se tourne vers une esthétique dite « masculine », en performant les stéréotypes du genre masculin.

Toutefois, le drag king n’est pas le pendant masculin absolu de la drag queen. Plusieurs chercheureuses situent la naissance des pratiques king au début des années 1990, dans les bars underground de New York, de San Francisco et de Londres.

La scène ballroom devient un lieu de rencontre, de création, de divertissement, de fête, de libération et de spectacle où sont célébrés des corps et des identités discriminées.

Le ballet drag comme remise en question des codes

Le drag est aussi un exercice de libération identitaire, un affranchissement des codes. Pour beaucoup, le fait de pouvoir s’exprimer et d’être soi sans peur est libérateur.

Le fait de s’habiller de tenues extravagantes, colorées et pailletées a un effet performatif de la joie. Il s’agit pour les drag queens et kings de faire une performance pour répandre cette joie et cette fête.

Le drag dérange les codes et met en avant une pluralité des genres, mais surtout la fluidité d’expression de genre puisqu’il s’agit de créer son personnage.

De même pour la scène ballroom de manière générale, qui promeut l’inclusivité en opposition à la société discriminante. Les compétitions célèbrent toutes les identités, alliant mode, esthétisme et performance.

Le ballet avec des drag queens prolonge cette réflexion en confrontant une discipline historiquement associée à des normes corporelles et genrées à des personnages qui jouent, déplacent et réinventent ces normes.

La féminité et la masculinité comme matières scéniques

L’art du drag et la culture de la scène ballroom questionnent de grands concepts comme la féminité, la masculinité, mais également l’hétérosexualité, la blanchéité et les classes sociales.

Il met l'accent sur l'intersectionnalité et la multidisciplinarité. Les artistes peuvent reprendre un code, le rendre visible, l’exagérer, le détourner puis en proposer une lecture nouvelle.

Non seulement transgression du féminin et du masculin, le drag invente des créatures queer surréalistes avec le mouvement des clubskids qui interprètent non pas un personnage genré, mais une sculpture vivante.

De manière générale, cette nouvelle scène artistique tente de faire comprendre et accepter l’abandon d’une société binaire.

Une pratique artistique et politique

L’art du drag et plus généralement la culture de la scène ballroom sont par essence politiques. Toutefois, il faut exercer une distinction entre la conscientisation et la politisation.

L’art du drag est politique en soi, car il vient questionner de grands concepts, et apparaît même comme symbole de résistance et de résilience.

La mise en mouvement d’un corps est politique ; mais concernant les corps minorisés, exister dans la rue est un acte politique, même involontaire, car ces corps sont discriminés et à l’encontre des codes imposés par les groupes dominants.

La scène ballroom est une scène queer racisée noire-latina donc elle est politique en soi parce qu’elle est l’avènement de la revendication, la volonté d’existence, de représentation de cette communauté par elle-même et pour elle-même.

Cette dimension politique peut apparaître directement dans les costumes, les paroles, les gestes ou les choix de mise en scène. Elle peut également être portée par la simple présence de corps minorisés sur une scène où ils ont longtemps été peu représentés.

Visibilité et reconnaissance

Progressivement ielles sont reconnues comme telles, même si cela reste lent et minime. Cette reconnaissance intervient surtout dans les années 2000, notamment grâce à l’émission américaine RuPaul Drag Race, lancée par la célèbre drag queen RuPaul.

Cela participe largement à l'intégration de la culture drag à la culture populaire américaine. Ces dernières années, la communauté ballroom connaît également un regain de visibilité notamment grâce au succès de la série Pose.

Dans les années 1990, les films Paris is Burning et Priscilla, folle du désert avaient provoqué l’intérêt et le dépassement des frontières américaines, notamment en France grâce à Mother Niki Gucci et Mother Lassandra Ninja.

En 1990, Madonna « strikes a pose », dans sa chanson Vogue, reprenant les mouvements du voguing, danse née au cœur de la scène ballroom dans les années 1970.

Le passage du cabaret aux institutions culturelles

La performance drag s’introduit et tente de se faire une place parmi les pratiques artistiques reconnues. Récemment, les drags queens gagnent les galeries et les musées.

Elles affirment ainsi leur place non seulement en tant qu’artistes, mais aussi en tant qu’icônes fondamentales de la diversité et de la créativité au XXIe siècle.

Toutefois, si leur présence s’accroît, rares sont les institutions qui leur consacrent une exposition entière.

Les performances et artistes drag sont surtout citées de manière succincte ou prennent part à la programmation autour d'une exposition dans le cadre de médiation, d’atelier ou de hors les murs, comme si elles ne pouvaient franchir ce plafond de verre de la reconnaissance institutionnelle muséale.

Pour les théâtres, Matthieu Barbin, sous son identité de drag queen Sara Forever, a créé un nouveau spectacle Dynasties et Soa de Muse est invitée à présenter Diaspora.

Un cabaret afro-futuriste qui puise dans son riche parcours allant de l’effeuillage burlesque aux chorégraphies de Nina Santès ou d’Eve Magot.

Pour la performeuse, qui navigue avec aisance entre les lieux de cabarets, les tv shows et des théâtres conventionnés, l’espace et le public ont finalement peu d’importance : « C’est comme si on changeait de chaîne, mais que c’était la même émission. L’important pour moi est de ramener ce que je fais dans l’endroit qui m’est proposé et let’s go ! »

Entre reconnaissance, professionnalisation et appropriation

En raison du succès rencontré, l’art du drag et la culture de la scène ballroom sont sortis de leur sphère initiale pour le mainstream et la pop culture, pris dans des logiques de capitalisation et de mainstreamisation.

Les codes d’émancipation de la scène ballroom sont davantage célébrés, mais principalement lorsqu’ils sont dépolitisés.

La mainstreamisation apporte de la visibilité sur des groupes minorisés et permet à davantage de personnes de s’identifier et de ne pas se sentir isolées.

La mainstreamisation est intéressante en ce sens qu’elle permet d’exister hors de la ballroom. Elle permet la représentation culturelle.

Une autre vision, plus négative apparaît lorsqu’un public non concerné intègre la scène ballroom et les performances drag et capitalise.

La marchandisation du drag, l'introduction d'une recherche pécuniaire, semble nier son aspect politique. Mais cette critique essentialise les identités.

La rémunération et la professionnalisation sont une manière pour les drag queens et drag kings de se faire reconnaître et d’être pris.es au sérieux.

Le problème de cette mainstreamisation est donc l’appropriation non-respectueuse de cette culture par la classe dominante.

Une danse sans frontière entre les disciplines

Le drag semble donc à mille lieux des problématiques de renouveau et de manque d’accessibilité de certaines scènes publiques. C’est peut-être la raison pour laquelle, depuis quelques années, les institutions s’y intéressent sérieusement.

Le passage du drag dans les théâtres, les musées et les festivals ne signifie pas la disparition du cabaret. Il montre plutôt la capacité de cette pratique à circuler entre différents espaces, tout en conservant son goût pour la transformation, l’humour et la liberté.

Une nouvelle preuve de la charge politique du drag : là où il passe, il transporte ses luttes et sa liberté, sans jamais perdre son éclat.

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