Le titre La Noce peut désigner une scène de mariage peinte comme un instant de fête, de rassemblement familial et de représentation sociale, mais aussi renvoyer à une œuvre religieuse monumentale comme Les Noces de Cana de Paolo Véronèse. Ces tableaux associent généralement les mariés, les invités, les musiciens, les serviteurs, les costumes et de nombreux détails symboliques.
Deux œuvres intitulées La Noce illustrent des approches très différentes du sujet : Henri Rousseau représente une noce villageoise dans une esthétique naïve et presque documentaire, tandis que Fernand Léger traite le mariage dans le langage de l’art moderne, de l’abstraction et du cubisme. À une autre échelle, Véronèse transforme un banquet biblique en une spectaculaire scène vénitienne peuplée de 132 personnages.
Les Noces de Cana de Paolo Véronèse
Les noces de Cana est une immense huile sur toile, de presque 10 mètres sur 6, peinte par Paolo Véronèse. Cette peinture fut commandée en juin 1562 par un moine bénédictin du monastère San Giorgio Maggiore qui se trouve à Venise.
L’œuvre était à l'origine destinée à décorer le nouveau réfectoire du monastère, construit par André Palladio, architecte de la renaissance italienne. Il peint le tableau en quinze mois, probablement aidé par son frère Benedetto et les membres de son atelier. Cette peinture ornera le réfectoire durant de nombreuses années avant de devenir l'un des tableaux célèbres du musée du Louvre.
Les Noces de Cana est une œuvre spectaculaire commandée en 1562 au peintre Paolo Caliari, dit Véronèse, par les moines bénédictins de San Giorgio il Maggiore, à Venise. Né à Vérone, Véronèse s’est établi à Venise , où il est protégé par le grand peintre Titien.
Un banquet biblique et le premier miracle du Christ
L’huile sur toile met en scène un récit tiré du Nouveau Testament. Dans la ville de Cana, en Galilée, Jésus, accompagné de sa mère Marie et ses disciples, est invité à un repas de noce.
Ce texte de l’Evangile selon Saint-Jean relate comment Jésus accomplit son premier miracle. C’est à cette occasion que Jésus changea l’eau en vin quand le breuvage vint à manquer. Le sujet du tableau n’est pas le dernier repas du Christ, mais son premier miracle.
Dans l’Évangile selon saint Jean, Jésus, Marie et les disciples sont invités à un banquet de mariage à Cana, en Galilée. Le vin venant à manquer, Jésus dit aux serviteurs de remplir six jarres d’eau. L’eau se transforme miraculeusement en vin et la fête peut continuer.
Ce récit figure l’institution du sang du Christ, représenté sous la forme de vin. Le miracle de l’eau transformée en vin préfigure l’institution de l’Eucharistie lors de la Cène.
Une immense composition destinée à un réfectoire
À la fin du XVe siècle, Léonard de Vinci introduit en Italie du Nord la coutume toscane de représenter un repas biblique sur un mur de la salle où les moines prennent leurs repas , grâce à sa fresque La Cène à Santa Maria delle Grazie, à Milan.
Véronèse utilise une technique différente de celle de Léonard de Vinci : il ne peint pas une œuvre murale, mais une grande toile, mesurant environ 10 m sur 7. En effet, le climat humide de Venise ne permet pas la bonne conservation des fresques.
Le tableau des Noces de Cana prolongeait de façon illusionniste l’architecture du réfectoire du monastère. Il était accroché à plus de 2 m de haut.
La toile comprend 132 figures en grandeur réelle. Sur cette toile, 132 personnages sont représentés dans des costumes et dans un décor typiques de l'Italie du XVIème siècle.
| Élément | Description |
|---|---|
| Artiste | Paolo Véronèse, dit Paolo Caliari |
| Date de commande | 1562 |
| Technique | Huile sur toile |
| Dimensions | Presque 10 mètres sur 6 ; environ 10 m sur 7 |
| Nombre de figures | 132 figures en grandeur réelle |
| Destination initiale | Le réfectoire du monastère San Giorgio Maggiore |
| Lieu actuel | Musée du Louvre |
Une scène biblique dans l’Italie du XVIe siècle
Curieusement, Véronèse n’a pas représenté les mœurs et les costumes de l’Antiquité de façon réaliste. Il a transposé l’épisode évangélique dans la cour d’un palais de la Renaissance.
Les vêtements de soie colorée , les bijoux, la vaisselle évoquent le mode de vie fastueux des riches Vénitiens du XVIe siècle. Seuls Jésus, au centre, Marie, à sa droite, et les apôtres portent de simples draperies atemporelles.
Cette pratique n'est pas nouvelle, puisque les enluminures médiévales présentaient déjà des scènes mythologiques ou issues de la Bible dans des décors et avec des costumes du Moyen-âge.
L’exotisme des personnages enturbannés, la présence d’un perroquet renvoient au cosmopolitisme de la ville de Venise, qui tire sa richesse du commerce avec l’Orient.
Une composition organisée entre terre et ciel
Sa composition est très étudiée. La partie inférieure, très animée, se présente comme une scène de théâtre, où chaque personnage exprime par ses gestes et son attitude sa réaction vis-à-vis du miracle.
La partie supérieure, plus sobre, est caractérisée par la verticalité de l’architecture et la limpidité du ciel, où apparaissent des oiseaux en vol.
Sont ainsi opposés un niveau terrestre et un niveau céleste, que Véronèse n’a pas cherché à unifier par une perspective homogène. Les lignes de fuite du carrelage convergent au-dessus de la balustrade, celles de l’architecture vers la figure du Christ, nimbé et placé au centre de la composition.
On peut y voir un symbole de la double nature du Christ, humaine et divine. De même, à gauche de Jésus, sont assis principalement des membres du clergé, et à sa droite des laïcs.
L’ensemble dégage néanmoins un sentiment d’harmonie et d’animation joyeuse, aux couleurs vives et à la lumière intense.
Les mariés, les invités et les musiciens
Les mariés sont représentés sur le côté gauche, laissant place au Christ et son auréole flamboyante au centre du tableau. Les époux sont d’ailleurs les seuls à ne pas être peints en interaction avec d’autres personnages.
Ils semblent être figés au milieu des invités en ébullition. Les époux sont assis à l’extrémité opposée.
Autour de la table en U se pressent les invités, entourés d’une foule de serviteurs, bouffons et spectateurs. Au premier plan, un groupe de musiciens joue d’instruments contemporains.
Selon la tradition, celui vêtu de blanc jouant de la viole serait l’autoportrait du peintre tandis que son voisin, en rouge, aurait les traits de Titien. Cependant, certaines interprétations expliquent que certains peintres de l’époque de Paolo Véronèse comme Titien et Bassano et même, Véronèse lui-même, sont représentés sous les traits des musiciens au premier plan.
À l’extrême droite, se déroule le miracle : l’échanson regarde avec surprise le vin dans son verre, alors que les serviteurs s’affairent à remplir les carafes. Un jeune serviteur noir apporte au marié une coupe de vin.
Derrière lui se tient le maître de cérémonie, tenant dans sa main un pan de son manteau vert. Les serviteurs coupant la viande sur la terrasse annoncent le sacrifice de Jésus.
Les symboles de la scène nuptiale
Au-delà de l’aspect décoratif et anecdotique, Véronèse a enrichi sa toile de symboles qui lui donnent une dimension spirituelle. Le flacon de vin posé entre les barreaux de la balustrade évoque sans doute le sang qu’il versera pour racheter l’humanité.
Le sablier sur la table des musiciens rappelle que la mission de Jésus vient de commencer, mais que son temps est compté. Les colonnes antiques, la statue de Vénus à laquelle fait face un campanile surmonté d’une statue de saint symbolisent le désir de fusion entre sagesse antique et religion chrétienne.
Les nombreux chiens, cinq en tout, dont un regardant le spectacle du haut d’un balcon incarnent la fidélité. De manière amusante, les deux lévriers au premier plan attachés par une même laisse peuvent faire allusion aux contraintes du mariage.
L’un d’eux ronge un os, tandis que l’autre semble plus intéressé par le chat jouant avec un vase sur la droite.
La noce comme célébration de Venise
Actualiser le sacré est aussi une façon de glorifier Venise, ville miraculeuse surgie des eaux, protégée par saint Marc et par la Vierge.
République gouvernée par un doge élu à vie, elle propose un régime politique parfait et se veut le rempart de la chrétienté contre l’avancée des Turcs.
À travers l’éclatante scénographie d’une fête vénitienne, Véronèse célèbre la gloire politique et la prospérité économique d’une ville exceptionnelle.
L’arrivée des Noces de Cana au Louvre
Le tableau "Les noces de Cana" est arrivé au Muséum central des arts, nom du Louvre à l’époque, en 1798. Il faisait partie, comme tant d’autres peintures, des contributions de guerre données par l’Italie à la France suite à la première Campagne d’Italie menée par Napoléon.
Cette cession faisait partie du traité de Campoformio de 1797. Confisquée par l’armée napoléonienne en 1797, la toile a été transportée, roulée, jusqu’à Paris.
C’est donc à l’empereur Napoléon que nous devons l’arrivée de cet ouvrage, peint par Paolo Véronèse au musée du Louvre.
En 1815, l’Autriche qui occupait alors l’Italie réclame le retour du tableau dans ses collections. L’administrateur du Louvre à l’époque, Vivien Denon, parvient à convaincre l’Autriche de l’impossibilité de ce rapatriement du fait des dimensions de la toile.
A la place de ce tableau, la France envoie La Madeleine chez le Parisien, œuvre de Charles Lebrun.
C’est grâce à une rénovation qui dura trois ans que vous pourrez retrouver l’œuvre avec ses couleurs flamboyantes au sein du musée. La toile a été restaurée de 1989 à 1992.
Le tableau fait partie des créations les plus majestueuses du musée du Louvre. Il est d’ailleurs placé dans la même salle que la Joconde, œuvre la plus admirée du musée.
Il faudra vous rendre dans la salle de la Joconde, située au 1er étage du musée dans l’Aile Dénon pour contempler ce fabuleux tableau.
Exercice de dessin au feutre - les Noces de Cana de Véronèse - Cours de dessin au Louvre
La Noce d’Henri Rousseau
La Noce d’Henri Rousseau est une autre représentation du mariage, très éloignée du faste vénitien de Véronèse. L’œuvre montre une noce villageoise et s’inscrit dans l’univers de la peinture naïve, avec une attention particulière portée aux personnages, à leurs attitudes et à la présence collective des proches.
L’œuvre fourmille de nombreux détails très vivants dans l’agencement des personnages entre eux et leurs attitudes, qui retiennent l’attention du public lorsque le tableau est exposé au Salon parisien de 1879, où il remporte un grand succès.
La proximité d’une telle image avec l’univers du roman naturaliste est frappante et celle-ci a pu être considérée, par sa précision quasi documentaire, comme un témoin fidèle de la société de son temps.
Une scène de mariage et l’essor de la photographie
Depuis l’élaboration d’un premier procédé par Niepce et Daguerre rendu public en 1839, la photographie ne cesse au long du XIXe siècle de connaître des perfectionnements et un succès croissant.
Dagnan-Bouveret témoigne ici de cette fascination en montrant deux jeunes mariés posant dans l’atelier d’un praticien chargé de réaliser leur portrait, entourés de leurs proches.
Basée sur l’étude d’un véritable atelier avenue des Ternes à Paris, cette scène est cependant située ici à Vesoul, où il séjourne fréquemment, comme l’indique l’étiquette placée au-dessus de la porte.
Un tel sujet ne pouvait que plaire au peintre alors que lui-même était fiancé. Il écrit ainsi à sa future épouse, Anne-Marie Walter : « j’aime ce sujet, il me plaît infiniment à exécuter et de plus il me parle pour ainsi dire chaque jour de vous. »
Informations sur l’œuvre
| Élément | Information |
|---|---|
| Titre | La Noce |
| Date | 1879 |
| Technique | Huile sur toile |
| Dimensions | H. 85,3 ; L. 121,7 cm |
| Donation | Donation de Jacques Bernard en 1879 |
| Inventaire | Inv. H 715 |
La Noce de Fernand Léger
La Noce de Fernand Léger appartient à une tout autre conception de la peinture de mariage. L’œuvre est associée à l’abstraction, à l’art moderne et au cubisme, et son sujet est le mariage.
La noce DE Fernand Léger. Sujets : Abstraction Mots-clés : Art abstrait, Art moderne, Cubisme, mariage.
Dans cette approche, la noce n’est plus seulement un événement familial représenté avec une précision documentaire : elle devient un sujet plastique permettant d’organiser les formes, les volumes, les lignes et les rapports entre les figures.
Repères de conservation et d’exposition
Le lieu de conservation indiqué pour l’œuvre est le musée de l’Orangerie. L’œuvre est entrée matériellement au musée de l’Orangerie en 1977.
Elle se trouvait à partir de 1929 dans la collection Paul Guillaume, Paris, puis jusqu'en 1959 dans la collection de Mme Jean Walter, Paris. En 1959, elle a été acquise de Mme Jean Walter avec le concours de la Société des Amis du Louvre.
L’œuvre a été présentée dans plusieurs expositions consacrées à l’art moderne, au cubisme et à Fernand Léger, notamment à Paris, Berlin, New York, Tokyo, Metz et d’autres villes.
Comparer les grandes représentations de la noce
| Œuvre | Artiste | Approche du mariage | Caractéristiques principales |
|---|---|---|---|
| Les Noces de Cana | Paolo Véronèse | Banquet biblique et miracle religieux | Monumentalité, 132 figures, architecture vénitienne, couleurs vives |
| La Noce | Henri Rousseau | Noce villageoise et scène sociale | Personnages réunis, détails vivants, précision quasi documentaire |
| La Noce | Fernand Léger | Mariage traité par l’art moderne | Abstraction, art moderne, cubisme, organisation des formes |
Ces œuvres montrent que la noce peut être représentée comme une fête religieuse, une scène de société ou un sujet de recherche formelle. Dans tous les cas, le mariage permet au peintre de réunir des personnages, de créer une composition collective et de faire apparaître les valeurs d’une époque.