Journée de noces chez les Cromagnons de Wajdi Mouawad : analyse et résumé

Journée de noces chez les Cromagnons est une pièce tragi-comique de Wajdi Mouawad qui raconte la préparation d’un mariage imaginaire par une famille libanaise enfermée dans un appartement, tandis que la guerre fait rage à l’extérieur. Nazha veut marier sa fille Nelly coûte que coûte, même si le fiancé n’existe peut-être pas, si l’électricité est coupée et si les bombardements empêchent de préparer le repas.

Dans ce combat enragé contre la mort, la famille transforme la noce en acte de résistance. Le mariage devient une manière de faire semblant que la vie continue, de lutter contre la peur et de préserver une part de joie au milieu de la violence. Écrite en 1991, puis réécrite et mise en scène par l’auteur en 2024 dans sa langue maternelle, l’œuvre rassemble déjà les grands thèmes du théâtre de Mouawad : la guerre civile libanaise, l’exil, la famille, la transmission, les non-dits et le refus de transmettre aux enfants les souffrances des parents.

Résumé détaillé de la pièce

Au milieu des bombes, une mère de famille a décidé de marier sa fille et fait preuve d’une énergie délirante mais vitale pour convaincre son mari, son fils benjamin et sa voisine que le fiancé va débarquer aujourd’hui. Nazha a décidé d’organiser le mariage de sa fille, coûte que coûte, comme un sale tour joué à la guerre qui fait rage. Elle veut croire que la vie continue, imperturbable.

Bienvenue chez les Cromagnons ! Une famille libanaise qui vit dans une maison de guingois. Dehors, les bombes tombent et dedans, on prépare le mariage de la fille, même si on n’a pas encore trouvé le fiancé. La future mariée est narcoleptique, les parents s’engueulent et les coupures d’électricité empêchent de cuire le festin.

Le fiancé débarrassera la famille d’une fille qui s’endort à tout instant. Il emmènera la seule qui ne soit pas cruellement contaminée par la cruauté affreuse de la guerre. Mais il faut prévenir les voisines, préparer le gigot qui ne peut cuire avec toutes les coupures d’électricité, chercher la salade, éplucher les patates.

Neel, le jeune frère et son père doutent bien un peu du fiancé annoncé par la mère, mais ils sont vite embarqués dans ce délire de faire semblant d’être à la noce. La future mariée est narcoleptique, les parents s’engueulent, le fils aîné est parti, le cadet est un peu perché et les coupures d’électricité empêchent de cuire le festin.

Le mouton, que personne n’arrive pas à tuer correctement, va devoir être mangé cru : bienvenue chez les Cromagnons ! Entre coupures d’électricité et vacarme incessant de bombes, d’avions, d’orages, rien ne favorise les agapes. Tout est vent contraire, violence, et dureté.

Dans une ambiance chaotique, la journée avance vers son dénouement : l’arrivée du fiancé. Mais viendra-t-il ? Existe-t-il seulement ? Dans ces temps de guerre où seul l’imaginaire est une échappatoire, la famille s’active autour d’un mariage illusoire pour déjouer, une journée au moins, le désastre du quotidien.

Une réjouissance, fût-elle fictive, c’est mieux que rien : place à la noce, et advienne que pourra ! Dans ce huis clos familial, les personnages s’invectivent, rient, se querellent et se réconcilient. La préparation du mariage devient ainsi une lutte quotidienne contre l’effondrement du monde extérieur et contre l’implosion de la famille.

Les principaux personnages

Nazha, la mère

Nazha est le moteur de l’action. Elle refuse de céder à la guerre et impose à toute la famille la préparation d’une fête dont la réalité demeure incertaine. Une mère ultra exubérante, aussi dure que protectrice, elle s’efforce de maintenir l’illusion d’un fonctionnement normal.

Son énergie peut sembler excessive, agressive ou délirante, mais elle est aussi vitale. En organisant la noce, Nazha cherche à conjurer la violence et à protéger les siens. Ses insultes, ses colères et ses débordements expriment une peur qu’elle ne peut pas reconnaître directement.

Néhif, le père

Le père est épuisé au bout du rouleau. Il doute de l’existence du fiancé annoncé par Nazha, mais il reste pris dans la mécanique familiale et dans la nécessité de faire semblant.

Son attitude révèle l’impuissance d’un homme qui ne parvient ni à arrêter la guerre ni à calmer les conflits domestiques. Comme les autres, il oscille entre la lucidité et le besoin de croire à l’histoire du mariage.

Nelly, la fille aînée

Nelly est la future mariée. Elle s’endort à tout instant et souffre de narcolepsie. Sa maladie la rend particulièrement vulnérable dans un environnement où chacun est déjà marqué par la violence.

La famille présente le mariage comme une solution qui permettrait de la faire partir. Le fiancé emmènera la seule qui ne soit pas cruellement contaminée par la cruauté affreuse de la guerre. Pourtant, Nelly n’est pas seulement un personnage à sauver ou à déplacer : son sommeil devient une image de retrait, de fragilité et de refus du monde qui l’entoure.

Neel

Neel, le fils adolescent, traîne sa peur dans leurs pattes, agrippé à son transistor. Le cadet est déstabilisé et fragile, un peu perché, mais il possède également une conscience aiguë de la situation.

« Je n’ai carrément pas le droit d’être où je suis. Point. Je suis dans une histoire interdite aux gens de mon âge. Dès ma naissance, on m’a pris, on m’a attaché, et depuis on m’oblige à regarder un mauvais film. Avec une mauvaise histoire », dit Neel, magnifiquement interprété par le jeune Aly Harkous.

À travers Neel, la pièce montre la violence de la transmission. Les enfants naissent dans une histoire qu’ils n’ont pas choisie et se retrouvent contraints de porter les conséquences des conflits des adultes.

Souhayla, la voisine

Aidés de leur voisine, ils s’affairent pourtant toutes et tous en cuisine, entravés par des coupures d’électricités, des tirs de snipers, par leurs débordements et leurs divagations. Souhayla participe aux préparatifs et entre dans le jeu de la noce.

Sa présence élargit le cercle familial sans rompre l’enfermement de l’appartement. Elle est à la fois voisine, alliée et témoin du délire collectif.

Jean, le double de l’auteur

Un protagoniste surgit d’ailleurs pour élargir les perspectives de cette fuite en avant vers l’absurde. Il s’agit de Jean, le double de l’auteur, qui d’abord depuis Montréal, puis directement dans un coin de l’appartement, écrit la pièce que les Cromagnons n’ont pas conscience d’être en train de jouer.

C’est même lui qui, à la fin de l’histoire, dans un geste quasi pirandellien, vient à la rescousse de ses propres personnages, frappant à la porte de leur réel pour jouer le rôle du fiancé et tenter de réenchanter leur existence.

Une famille enfermée dans la guerre

La pièce se déroule dans un appartement familial situé à Beyrouth, en pleine guerre civile. La famille se trouve enfermée dans un espace domestique qui devrait être protecteur, mais qui devient progressivement un lieu de tension, de cris et d’implosion.

Sur scène, enfermés comme dans une boîte, sol, murs et plafonds penchés, les Cromagnons sont au bord de l’implosion. Il faut imaginer le grand plateau de la Colline complètement bouché : on se rend compte petit à petit que le plancher est incliné et que tout est de travers, comme si tout était sur le point de s’effondrer.

Cette scénographie installe le cadre du huis clos. La maison n’est pas seulement un décor : elle matérialise l’instabilité du monde et le déséquilibre intérieur des personnages. À l’extérieur, les bombes et les tirs menacent les corps ; à l’intérieur, les rancunes, les secrets et les peurs menacent les relations.

La maison libanaise est ainsi à la fois un refuge et une prison. La famille s’y protège de la guerre, mais elle y est également condamnée à vivre dans une proximité étouffante. L’appartement devient l’image d’un monde qui ne tient plus debout et que les personnages tentent malgré tout de maintenir.

Le mariage imaginaire comme acte de résistance

Quoi de mieux, pour conjurer la violence de la guerre, qu’imaginer des festivités ? La réjouissance, même fictive, est d’autant plus importante que le danger extérieur est grand.

La famille s’active autour d’un mariage illusoire pour déjouer, une journée au moins, le désastre du quotidien. La noce n’est donc pas un simple événement comique ou un prétexte narratif. Elle constitue un acte de résistance contre la mort, la peur et la morosité.

Dans ce combat enragé contre la mort, dans ce cache-cache avec la morosité, se niche toute leur résistance. Le théâtre est entré dans la maison. Les personnages jouent à la fête parce qu’ils ne peuvent pas agir sur la guerre, mais ils peuvent encore décider de rire, de cuisiner, de se disputer et d’espérer.

La fête est d’abord une fiction, mais cette fiction produit des effets réels. Elle réorganise la journée, donne une tâche à chacun et empêche la famille de rester paralysée par la peur. La noce permet également de maintenir le lien entre les membres du groupe, malgré les conflits qui les opposent.

Une comédie traversée par la tragédie

Journée de noces chez les Cromagnons passe de la comédie à la tragédie, d’un réalisme hystérisé à un onirisme poétisé pour tracer des lignes de contradiction entre la dureté de la guerre et la quiétude de l’exil, entre les envies de renouveau d’une jeunesse désireuse de s’inventer un avenir libéré du passé et des parents transmettant à leurs enfants des fardeaux qui ne sont pas les leurs.

La pièce est absurde, cruelle et explosive. Les situations sont ubuesques, le langage abonde en grossièretés assumées et l’hystérie affleure. Du mouton tué aux ciseaux de cuisine, à la promise croupissant nue sous un lavabo, en passant par les insultes ahurissantes de la mère et l’assaut sexuel du père, le huis-clos familial qui étouffe sous nos yeux pourrait s’aventurer, du moins le craint-on au début, dans une dérive finalement peu efficace.

Pourtant, superposant en permanence la fiction et le réel, que la fresque est touchante ! Une double strate constante permet à ce panorama débridé de faire éprouver aussi, et surtout, la gravité et l’authenticité de la pièce.

La pièce réussit à nous faire ressentir intimement la guerre. Les bombardements, la maladie de la mariée et les francs-tireurs ne sont pas de simples éléments de contexte : ils pénètrent la vie familiale et modifient chaque geste, chaque conversation et chaque projet.

Le rôle de l’absurde

Journée de noces chez les Cromagnons est lointainement inspirée de Kafka et de Beckett. Journée de noces… c’est un peu En attendant Godot au pays des cèdres ou Kafka en Méditerranée.

Dehors, on entend tomber des obus. Le tonnerre s’en mêle. Mais dans cet appartement où cohabitent les générations, on s’obstine à préparer les noces de la fille aînée. Malgré l’électricité qui va et vient, malgré l’absence d’un fiancé qui, lui, ne viendra pas.

L’absurde naît de l’écart entre la situation objective et les actions des personnages. Alors que la guerre rend toute normalité impossible, la famille se comporte comme si le mariage pouvait réellement avoir lieu. Cette obstination semble ridicule, mais elle devient progressivement la seule manière de continuer à vivre.

Le fiancé absent fonctionne comme une attente comparable à celle d’un personnage qui ne cesse d’être annoncé sans jamais se présenter. Cependant, la pièce transforme cette attente en une question existentielle : peut-on encore croire à l’arrivée de quelqu’un lorsque le monde extérieur est dominé par la destruction ?

Selon Victor Inisan, l’absurde ne crée pas ici de véritable crise dramatique et les noces restent parfois réduites à des clichés. Selon Vincent Bouquet, le spectacle installe au contraire une atmosphère singulière et fait passer une maisonnée en plein foisonnement d’une ambiance presque comique à une tonalité de plus en plus tragique.

Ces lectures divergentes montrent que la pièce peut être reçue de manière très différente. Son mélange de farce, de violence et de poésie produit une énergie scénique forte, mais peut également donner une impression d’irrégularité ou de longueur.

La famille, la transmission et les non-dits

Les sujets de cette pièce dont la première version a été écrite en français, en 1991, alors que Wajdi Mouawad vivait à Montréal, sont multiples. Ils éclairent bien sûr la situation politique du Liban, qui aujourd’hui comme hier est sous le feu des bombes.

Ils renvoient également à l’histoire personnelle de Wajdi Mouawad qui, dans cette mouture de la pièce écrite en 2024, porte un regard sensible sur son passé et la naissance de son écriture. Dans cette pièce de jeunesse qu’il met en scène pour la première fois, le dramaturge aborde les questions de la famille, de l’exil, de la nostalgie, avec la guerre civile libanaise en toile de fond.

Entre absurde et tragi-comique, on y retrouve déjà les thèmes qui nourrissent tout le travail du metteur en scène : les relations intrafamiliales, la transmission et les non-dits entre parents et enfants, la douleur de l’exil et les traumas de la guerre.

Le résumé de l’œuvre insiste sur une séparation fondamentale entre les douleurs des parents et celles des enfants : les douleurs et les rancunes des premiers n’ont pas à devenir celles des seconds, car le malheur de vivre de chacun lui appartient déjà depuis le premier instant de sa venue au monde.

Cette idée constitue l’un des centres philosophiques de la pièce. Les parents souhaitent protéger leurs enfants, mais leur protection prend souvent la forme d’une transmission forcée de leurs blessures. Les enfants, eux, aspirent à s’inventer un avenir libéré du passé, sans parvenir à se soustraire complètement à l’histoire familiale.

La pièce met donc en scène un conflit entre deux temporalités. Les adultes restent attachés à un monde perdu, à la mémoire de la guerre et aux habitudes héritées, tandis que les plus jeunes cherchent à sortir de cette histoire. Le mariage de Nelly peut alors être lu comme une tentative de passage vers un avenir différent, même si cet avenir repose d’abord sur une illusion.

L’exil et le dédoublement de l’auteur

Wajdi Mouawad écrit les premières lignes de la pièce à l’âge de vingt-trois ans, alors qu’il vit à Montréal. La première version du texte est parue en septembre 2011 aux éditions Actes Sud-Papiers. Le texte a été réécrit en 2023, en écho à la guerre qui sévit aujourd’hui au Moyen-Orient.

Wajdi Mouawad rajoute sur scène son alter ego, jeune homme qui écrit l’histoire depuis l’exil, et non sous les bombes. Une marque de respect pour les Beyrouthins.

L’apparition de Jean introduit une dimension autobiographique et métathéâtrale. L’auteur ne raconte pas seulement une famille confrontée à la guerre : il montre aussi la naissance d’une œuvre écrite à distance, depuis l’exil, par quelqu’un qui ne se trouve plus directement sous les bombardements.

Cette situation crée une tension entre celui qui vit la guerre et celui qui la raconte. L’exilé observe, imagine et écrit, mais il porte également la culpabilité de ne plus être sur place. « Répétant ce spectacle dont l’histoire se déroule sous les bombes, il devenait étouffant d’entendre les portables des comédiens sonner, transmetteurs des voix des proches et amis Beyrouthins paniqués sous les obus et les effondrements. Frayeur et terreur qui rendaient impossible la moindre parole de réconfort », explique Mouawad, en proie, quant à lui, au symptôme de la « banale culpabilité de l’exilé, du planqué à l’ombre ».

La présence de Jean montre que le théâtre n’est pas extérieur à la réalité racontée. Il naît de cette réalité, mais il la transforme. Le personnage écrit la pièce que les Cromagnons ne savent pas qu’ils jouent, puis intervient dans leur monde pour tenter de modifier leur destin.

Le théâtre dans le théâtre

Le théâtre est entré dans la maison. Cette formule résume le dispositif de la pièce : les personnages vivent une situation qu’ils prennent pour réelle, tandis qu’un autre personnage écrit et observe la représentation de leur existence.

Cette imbrication des univers et des temporalités, qui n’était pas présente dans les premières versions du texte, est puissante et belle. Jean intervient depuis Montréal, puis directement dans un coin de l’appartement, ce qui brouille les frontières entre l’espace de l’écriture et celui de la famille.

Le procédé rappelle le théâtre de Pirandello, notamment par l’irruption d’un personnage extérieur qui vient à la rencontre de personnages déjà engagés dans leur propre fiction. À la fin de l’histoire, Jean frappe à la porte de leur réel pour jouer le rôle du fiancé et tenter de réenchanter leur existence.

Le théâtre devient alors une réponse à la catastrophe. Il ne peut pas arrêter les bombes, réparer les morts ou abolir l’exil, mais il peut créer une autre organisation du temps et donner une forme à ce qui semble informe.

Comme l’ensemble du spectacle, cette imbrication vient affirmer la nécessité d’écrire, de créer, d’imaginer sans cesse, pour apporter une réponse dérisoire, mais essentielle, au basculement de notre monde vers ce que Wajdi Mouawad nomme très justement « l’obscurité du sens ».

Une nouvelle version en arabe libanais

Wajdi Mouawad présente une nouvelle version, en libanais, de l’une de ses pièces de jeunesse : Journée de noces chez les Cromagnons. Cette proposition hétéroclite, qui lance des ponts entre le passé et le présent, creuse de façon très personnelle des réflexions sur le poids de l’exil, l’horreur de la guerre, le refus de certains héritages.

Wajdi Mouawad met lui-même en scène pour la première fois sa pièce de jeunesse, écrite à vingt-trois ans, et a choisi de le faire avec une troupe libanaise et dans sa langue maternelle, l’arabe libanais.

La pièce a été écrite en français, mais elle est vécue en arabe. « Redonner à ces mots français leur langue cachée, les faire entendre dans le corps des acteurs, c’est quelque chose de bouleversant pour moi », explique l’auteur.

Le choix de la langue arabe permet d’approcher au plus près la vérité des Cromagnons. Les sonorités âcres et perçantes de cette langue servent magnifiquement à la fois le fond tragique et les nombreux comiques de situation.

Déjà à l’œuvre pour Mère, la traductrice libanaise Odette Makhlouf qualifie le texte de « cru, vrai, et poétique ». La traduction est accompagnée de sous-titres astucieusement inscrits dans la scénographie, car situés dans le même cadre que chaque comédien et comédienne et faisant ainsi corps avec eux.

La langue ne sert donc pas seulement à transmettre le dialogue. Elle crée une profondeur supplémentaire, une chambre d’écho à tout ce qui n’est pas dit explicitement. Elle fait entendre la mémoire du Liban et donne au spectacle une authenticité liée à l’histoire personnelle de l’auteur.

Une scénographie du déséquilibre

La scénographie enferme la famille dans une structure qui évoque une boîte instable. Le plancher est incliné et tout est de travers, comme si tout était sur le point de s’effondrer.

Cette maison de guingois traduit visuellement la situation des personnages. Rien n’est stable : ni les murs, ni les relations, ni la perception du réel. L’espace domestique devient la projection matérielle d’une famille qui tente de rester debout alors que tout autour d’elle s’écroule.

On se souviendra aussi d’images étranges et poétiques, comme ce cube opaque abritant Nelly, boîte coulissante traversant poétiquement le plateau. Nelly qui l’affirme : son fiancé viendra.

Une table de noces silencieusement dressée par un invité mystère, l’irruption de la mort, des larmes de sang et un ultime coup de théâtre complètent cet univers visuel où le réalisme de la guerre rencontre l’onirisme.

Les sous-titres intégrés au décor participent également à cette organisation de l’espace. Ils ne sont pas placés à distance de la scène, mais associés aux corps des acteurs, comme si la traduction faisait partie de leur présence et de leur parole.

Une dramaturgie entre réalisme, rêve et violence

La pièce passe d’un réalisme hystérisé à un onirisme poétisé. Les objets du quotidien, les préparatifs du repas et les conflits domestiques sont constamment traversés par des événements qui relèvent de la vision, du cauchemar ou de la métaphore.

Le mouton, la nourriture, les coupures d’électricité, le lavabo et la table de mariage appartiennent au registre concret. Mais leur traitement transforme ces éléments en signes d’un monde détraqué. Le repas de fête ne peut pas être préparé normalement, le mouton ne peut pas être tué correctement et la promise est associée à des images d’enfermement et de disparition.

Tout claque et s’exacerbe, rire et cruauté, confusion et lucidité. La violence est parfois grotesque, parfois tragique, parfois poétique. Cette instabilité du ton correspond à l’expérience des personnages, dont la vie quotidienne est constamment interrompue par la guerre.

Les cinq actes, menés au pas de charge, composent une fable corrosive et joyeuse sur la famille et les huis clos. Malgré les thèmes de la guerre, de la peur et de la folie douce familiale, les non-dits entre parents et enfants et la douleur de l’exil, ce spectacle est une jubilation heureuse du début jusqu’à la fin.

Analyse des grands thèmes

La guerre

La guerre civile libanaise constitue la toile de fond de l’action, mais elle ne reste jamais extérieure à la scène. Elle se manifeste par les bombes, les avions, les tirs de snipers, les orages, les coupures d’électricité et les appels de proches paniqués.

La pièce ne décrit pas seulement la guerre comme un événement politique. Elle montre ses effets sur les gestes ordinaires, les relations familiales, l’alimentation, le sommeil et l’organisation du temps. La guerre impose sa présence dans chaque détail de la journée.

Elle transforme également les valeurs. Une fête imaginaire devient une victoire, une conversation normale devient un acte de courage et une tentative de rire devient une manière de refuser la mort.

La résistance par la fête

La réjouissance, même fictive, est d’autant plus importante que le danger extérieur est grand. La famille ne peut pas faire cesser les bombardements, mais elle peut continuer à préparer une noce.

Cette résistance est fragile et parfois dérisoire. Elle ne supprime ni la peur ni la violence, mais elle empêche la guerre de définir entièrement l’existence des personnages. Organiser la fête signifie encore choisir la vie, même lorsque la vie semble impossible.

L’exil

La douleur de l’exil est l’un des thèmes fondateurs de l’œuvre. Le jeune Wajdi Mouawad écrit la pièce à Montréal, loin du Liban, et la nouvelle version fait entrer sur scène cet éloignement par l’intermédiaire de Jean.

L’exil crée une séparation entre le lieu où l’histoire se déroule et le lieu depuis lequel elle est écrite. Il engendre également une culpabilité : celui qui est parti peut avoir le sentiment d’abandonner ceux qui sont restés.

La pièce lance ainsi des ponts entre le passé et le présent, entre le Liban et le Canada, entre l’expérience vécue et la mémoire reconstruite. Le théâtre permet de faire communiquer ces espaces séparés.

La transmission

Les parents transmettent à leurs enfants des fardeaux qui ne sont pas les leurs. Cette transmission peut prendre la forme de souvenirs, de rancunes, de peurs ou de comportements imposés.

Le conflit entre les générations repose sur l’impossibilité pour les adultes d’oublier et sur le désir des jeunes de ne pas être entièrement définis par le passé. Les enfants doivent inventer leur propre vie, mais ils héritent d’une histoire qui les précède.

Le malheur de vivre de chacun lui appartient déjà depuis le premier instant de sa venue au monde. Cette affirmation souligne que chaque personnage possède une souffrance singulière, même si la guerre et la famille tendent à les confondre.

La jeunesse

La pièce a été écrite par Wajdi Mouawad à vingt-trois ans. Elle porte donc la marque d’une jeunesse confrontée à la guerre, à l’exil et à la nécessité de trouver une forme artistique.

La jeunesse de Neel exprime cette position d’un individu né dans une histoire qu’il n’a pas choisie. Il se sent privé du droit de vivre son propre présent et condamné à regarder un « mauvais film » écrit par les générations précédentes.

Les envies de renouveau d’une jeunesse désireuse de s’inventer un avenir libéré du passé s’opposent aux parents qui cherchent à conserver un monde déjà détruit. Cette opposition n’est pas seulement conflictuelle : elle révèle aussi le désir des jeunes de ne pas reproduire la violence.

La mort et la vie

Sur le fond tragi-comique de cette pièce aux accents aussi délirants que violents prend racine l’univers théâtral de Wajdi Mouawad. Écrite en 1991, elle montre déjà que la guerre entre la vie et la mort est un combat à bras-le-corps et sans merci.

La présence de la mort se manifeste dans les bombardements, la menace des francs-tireurs, la peur et les images de sang. Mais elle est toujours combattue par des gestes de vie : préparer un repas, organiser un mariage, se disputer, rire et attendre quelqu’un.

L’irruption de la mort et les larmes de sang font basculer la fête dans une dimension tragique. Pourtant, même cette tragédie n’annule pas complètement la possibilité d’une réconciliation ou d’un réenchantement.

Le titre : pourquoi les « Cromagnons » ?

Le nom de la famille renvoie à un univers de survie primitive. Les Cromagnons tentent de préparer un repas dans des conditions où les gestes les plus simples deviennent difficiles ou impossibles.

Le mouton, que personne n’arrive pas à tuer correctement, va devoir être mangé cru. Le titre souligne ainsi la dimension grotesque de la situation et la régression imposée par la guerre.

Les personnages vivent dans un monde où les infrastructures modernes ne fonctionnent plus et où la violence ramène la vie quotidienne à une lutte élémentaire pour se nourrir, se protéger et rester ensemble. Le terme « Cromagnons » est donc à la fois comique, cruel et révélateur de leur condition.

La création de 2024 et le contexte de représentation

Prévue pour être créée au Liban le 30 avril 2024, la mise en scène de Journée de noces chez les Cromagnons conçue par Wajdi Mouawad a finalement été jouée en public pour la première fois le 7 juin de la même année, à Montpellier, au Printemps des Comédiens.

La série de représentations prévue à Beyrouth avait en effet été annulée, suite à des menaces formulées contre l’auteur-metteur en scène par des activistes politiques anti-israéliens lui reprochant d’anciens échanges culturels avec l’État hébreux.

C’est à Beyrouth que Journée de noces chez les Cromagnons devait être créée en avril 2024. Mais les répétitions commencées au Théâtre Le Monnot tournent court. Accusé de promouvoir une « normalisation avec Israël », Wajdi Mouawad doit plier bagage.

Journée de Noces ne verra pas le jour en terre natale, mais à Montpellier, dans le cadre de la 38e édition du Printemps des Comédiens. Cette pièce de jeunesse écrite en 1991, par l’auteur de 23 ans exilé au Canada, porte déjà en germe les thèmes omniprésents de l’auteur : les conflits insolubles de générations, la ronde des vivants et des morts, l’enchevêtrement des lieux et des temporalités, l’espoir d’une réconciliation entre les peuples et, bien sûr, l’histoire du Liban, qui hante ses écrits.

La création publique a eu lieu le 7 juin 2024 au Théâtre Jean-Claude Carrière dans le cadre du Printemps des Comédiens. La production a ensuite été présentée au Théâtre de la Colline à Paris du 29 avril au 22 juin 2025.

La mise en scène de Wajdi Mouawad

Journée de noces chez les Cromagnons est mise en scène par Wajdi Mouawad lui-même pour la première fois. Cette décision donne à la représentation une dimension particulière : l’auteur revient sur une œuvre de jeunesse et la confronte à son parcours, à son histoire et à son présent.

Cette nouvelle version est interprétée en arabe par une troupe franco-libanaise à l’expressivité, au départ de la représentation, un peu expansive : Fadi Abi Samra, Jean Destrem, Layal Ghossain, Aly Harkous, Bernadette Houdeib et la formidable Aïda Sabra.

Les comédiens sont bouleversants d’engagement, d’intensité et de variations dans leur jeu. Ils sont propulsés par cette langue libanaise et rendent cette histoire touchante.

Leur jeu est généreux sans être outrancier, il sonne juste, franc et radical. Il faut saluer le courage de ces artistes, et leur talentueuse implication dans un spectacle qui les montre cœurs et âmes à l’ouvrage.

La distribution permet de faire coexister la violence des affrontements, le comique des situations et la fragilité des personnages. Les comédiens rendent perceptible la double dimension de la pièce : une farce familiale qui se transforme progressivement en tragédie lyrique.

Les avis critiques

Une atmosphère singulière et une distribution engagée

Vincent Bouquet estime que « le spectacle profite d’une atmosphère assez singulière et d’une distribution impeccable », tout en considérant que le texte reste une pièce de jeunesse avec ses faiblesses et ne réussit pas à aller au bout de ses intentions.

Il souligne que la scénographie inclinée installe le cadre du huis clos, avec en contraste une maisonnée en plein foisonnement. L’ambiance presque comique devient, par bribes, de plus en plus tragique, avec les bombardements, la maladie de la mariée et les francs-tireurs.

Selon lui, la pièce réussit à faire ressentir intimement la guerre. Il regrette toutefois que les intermèdes en français du double de Mouawad soient peu riches et rompent le rythme de la pièce.

Une œuvre jugée irrégulière et superficielle

Victor Inisan porte un jugement beaucoup plus sévère. Selon lui, cette pièce de jeunesse « sent le vieux » et le spectacle est étonnamment raté à la fois esthétiquement et dramatiquement.

Il considère que Wajdi Mouawad, habitué à des œuvres abordant l’histoire avec une certaine dialectique, propose ici une pièce sans profondeur, réduite à deux dimensions. Les noces lui paraissent souvent fondées sur des stéréotypes qui ne deviennent pas suffisamment la métaphore d’autre chose.

Il critique également l’esthétique impersonnelle de la boîte déséquilibrée, qu’il juge trop plate, ainsi que l’utilisation de l’absurde, qui ne créerait pas une véritable crise dramatique.

Une jubilation malgré les réserves

D’autres critiques insistent au contraire sur l’énergie et la joie du spectacle. Malgré les thèmes de la guerre, de la peur et de la folie douce familiale, les non-dits entre parents et enfants et la douleur de l’exil, ce spectacle est une jubilation heureuse du début jusqu’à la fin.

En cinq actes toniques, menés au pas de charge, l’auteur livre une fable corrosive et joyeuse sur la famille et les huis clos. Les comédiens sont tous magnifiques, avec une mention spéciale pour celle qui joue la mère et le grand escogriffe qui joue le doux dingue de fils.

Comme toujours chez Wajdi Mouawad, la langue étrangère - ici l’arabe libanais, bien évidemment surtitré - donne sa profondeur à la pièce en créant comme une chambre d’écho à tout ce qui n’est pas dit explicitement.

Que l’on soit ou non bouleversé par ce spectacle, on se souviendra de cette tentative désespérée de joie et de normalité.

La portée autobiographique de la pièce

Né en 1968 au Liban, Wajdi Mouawad quitte son pays natal à l’âge de dix ans à cause de la guerre civile et émigre avec sa famille à Paris en France, puis au Québec dans la ville de Montréal en 1983.

Tout est déjà là : le sourire malgré les bombes, la nostalgie d’un monde perdu, la douleur de l’exil. Dans l’ombre portée de la guerre sur la vie d’une famille qui pourrait être la sienne, l’auteur entrelace sa vie réelle d’exilé et son imaginaire de créateur.

Les thèmes de la pièce éclairent donc la situation politique du Liban, mais ils renvoient également à l’histoire personnelle de Wajdi Mouawad. Dans la version écrite en 2024, le dramaturge porte un regard sensible sur son passé et sur la naissance de son écriture.

Jean, le double de l’auteur, rend visible cette dimension autobiographique. Il incarne celui qui écrit depuis l’exil, celui qui transforme le souvenir de la guerre en théâtre et celui qui revient symboliquement auprès des personnages pour leur offrir une possibilité de réenchantement.

Wajdi Mouawad, auteur et metteur en scène

En 1991, Wajdi Mouawad est diplômé de l’École nationale du théâtre du Canada et crée aussitôt sa première compagnie. L’ensemble de son travail est à maintes reprises remarqué et récompensé par des prix.

En 2007, il connaît un premier succès avec sa pièce Littoral. Auteur et metteur en scène, il est rapidement remarqué puis distingué par ses pairs. Il reçoit notamment le Prix littéraire du Gouverneur général du Canada, le titre de Chevalier de l’ordre des arts et des lettres, le Molière du meilleur auteur francophone et le Grand prix du théâtre de l’Académie française.

En 2009, il présente à Avignon le dernier volet de sa quadrilogie Littoral, Incendies, Forêts, Ciels. On lui doit également l’adaptation de Un Tramway, d’après Un tramway nommé désir de Tennessee Williams.

Depuis septembre 2007, Wajdi Mouawad occupe le poste de directeur artistique du Théâtre français du Centre national des Arts du Canada à Ottawa. W. Mouawad est nommé directeur de La Colline le 6 avril 2016.

Créé en 2017, Tous des oiseaux remporte le Grand prix ainsi que le prix de la Meilleure création d’éléments scéniques décernés par l’Association Professionnelle de la Critique de Théâtre, de Musique et de Danse.

Désigné titulaire de la chaire « L’invention de l’Europe par les langues et les cultures » pour l’année 2024-2025, il a donné le 6 février 2025, au Collège de France, une éblouissante leçon inaugurale intitulée « L’ombre en soi qui écrit » qui peut être réécoutée en ligne.

Une pièce de jeunesse devenue matrice d’une œuvre

1991. La guerre civile libanaise s’éteignait à peine et Wajdi Mouawad, 23 ans, écrivait les premières lignes de ce texte, matrice de ce qui, en trente ans, est devenu un formidable univers de théâtre.

Tout Mouawad est déjà là : dans l’entrelacement de sa vie réelle d’exilé et de son imaginaire de créateur. La nostalgie d’un monde perdu, la douleur de l’exil, l’ombre de la guerre civile libanaise, les conflits entre générations et la recherche d’une réconciliation sont déjà présents.

La première version du texte a été écrite en français en 1991, alors que Wajdi Mouawad vivait à Montréal. Une nouvelle édition de cette pièce a été publiée chez Actes Sud-Papiers/Leméac en 2011 et le texte a été réécrit en 2023.

La pièce a été maintes fois remaniée jusqu’à la mouture de 2024. La nouvelle version ne se contente pas de reprendre un texte ancien : elle met en dialogue l’œuvre de jeunesse, l’expérience de l’auteur et les conflits du présent.

Informations sur le spectacle

Équipe artistique de la création

• Texte et mise en scène : Wajdi Mouawad
• Avec : Fadi Abi Samra, Jean Destrem, Layal Ghossain, Aly Harkous, Bernadette Houdeib et Aïda Sabra
• Assistanat à la mise en scène : Cyril Anrep
• Dramaturgie : Charlotte Farcet
• Traduction en libanais et surtitrage : Odette Makhlouf
• Scénographie : Emmanuel Clolus
• Lumières : Laurent Matignon
• Musique originale : Nadim Mishlawi
• Vidéo : Stéphanie Jasmin
• Son : Annabelle Maillard
• Accessoires : Michelle Feghali
• Costumes : Isabelle Flosi
• Maquillage et coiffures : Cécile Kretschmar
• Fabrication des accessoires, costumes et décor : Ateliers de La Colline

Récompenses et représentations antérieures

Une précédente production a été présentée en quatre représentations au Lherm, à Ramonville, à la MJC de Castanet-Tolosan et aux Barthes entre 2016 et 2017.

Cette production a notamment reçu le Prix de la meilleure interprétation masculine attribué à Alexandre P. au Festival Tirades et Répliques 2017.

Le spectacle a également été créé le 7 juin 2024 au Théâtre Jean-Claude Carrière dans le cadre du Printemps des Comédiens, avant d’être présenté au Théâtre de la Colline à Paris.

Une œuvre entre rire et désastre

Journée de noces chez les Cromagnons montre une famille écartelée entre illusions et vérités. La famille libanaise prépare une fête alors que les bombes tombent, que l’électricité est interrompue et que le fiancé attendu demeure incertain.

La force de la pièce tient à cette contradiction permanente. Les personnages vivent une situation terrifiante, mais ils continuent à accomplir des gestes qui appartiennent à la fête et à la normalité. Ils se jettent des mots à la tête, pleurent, rient et se réconcilient.

La noce est donc à la fois impossible et nécessaire. Elle est impossible parce que les conditions matérielles et historiques empêchent toute célébration normale ; elle est nécessaire parce qu’elle permet aux personnages de ne pas être entièrement engloutis par la guerre.

Cette tentative désespérée de joie et de normalité constitue le cœur de l’œuvre. Même lorsque la fête est fictive, elle demeure un espace de liberté, d’imagination et de résistance.

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